Некоторые арткритики считают, что современный авангард не есть искусство в традиционном понимании этого слова. Это связано с тем, что функциональный состав художественной продукции сильно изменился, а значит, изменились и механизмы воздействия искусства на зрителя. Собственно рефлексию подменили оценками типа "любопытно" или "смело, но нестандартно", само понятие эстетического девальвировалось, а духовность обернулась перформансом. Последнее - самое главное, ведь от шоу катарсиса ждать не приходится, а что за искусство без переживаний? Впрочем, у этой точки зрения достаточно оппонентов. IV новосибирская биеннале современной графики заставляет в очередной раз задуматься над феноменом художественного модерна.

В этом году открытый конкурс отличался огромным количеством участников - 215 из 34 стран. Он проходил по трем номинациям - "Оригинальная графика", "Печатная графика" и "Новые печатные технологии". Помимо этого, был учрежден Гран-при (1 500 долларов) за лучшую работу вне зависимости от техники создания, а также поощрительные дипломы - за оригинальность концепции, за лучший кураторский проект и за высокий технический профессионализм. Номинации получились достаточно общие - видимо, в силу сложности их формулировок, так как понятие "графика" бралось в широком, принятом в России понимании, включающем уникальную графику (живопись на бумаге, авторская бумага, коллаж) и печатную, в том числе компьютерную. Член жюри, художественный эксперт из Эрмитажа Алексей Лепорк предложил свой критерий хороших работ: "Выходя из музея, я должен четко понимать, какую картину хочу спереть и иметь у себя дома".

Залы биеннале организованы по национальному принципу, что дает возможность смотреть на итальянское или австрийское искусство в целом, но главное - опровергает известное мнение об унификации искусства в процессе глобализации. Работы из австралийского зала, куратор которого Ивонн Риис-Паг получил диплом "За лучший кураторский проект", абстрактны и этничны. Японские эстеты, как всегда, изящны. Самый "зрелый" участник биеннале - бразильская художница Мария Амелия Бортелю Арруда, родившаяся в 1917 году, в своих работах подняла экологическую проблему и тему дикой природы. В немецком зале куда ни глянь - взор то и дело натыкался на изображение гениталий. Немцы, оставшись верными порнографическим традициям, явно выбивались из общего контекста биеннале и находились в эпицентре зрительского внимания. На одной стене висели эпатажные плакаты Мартина Киппенбергера, на другой - на редкость изощренная картина Марена Ролоффа "Белоснежка", вокруг которой толпились зрители, дивясь недюжинной фантазии автора.

Итальянский зал доказывал тезис о том, что современное искусство - это стеб над искусством традиционным. Особо в этом преуспел Андреа де Карвальо, получивший приз в номинации "Оригинальная графика": объявляя победителя, Алексей Лепорк вспомнил о концепции "искусства как прикола", сказав, что работа итальянца, представляющая собой пришитые к пенопласту пуговицы в форме стрелочек и крестиков, - "это funny". Впрочем, забавен был не один Карвальо. У зрителей нередко возникало ощущение, что авторы пытаются рассмешить, эпатировать или просто поиздеваться. Но оригинальность, как и юмор, понятие скоропортящееся, поэтому те же геометрические картины новосибирской художницы Елены Бертолло, выполненные на рваной авторской бумаге, вряд ли кого-то удивят. Даже Алексей Лепорк перед открытием биеннале говорил, разводя руками: "Биеннале графики... ну что может быть мертвее?"

Впрочем, на выставке встречались вещи по-настоящему оригинальные. Например, работа швейцарского художника Карла Нейса "Танец смерти", выполненная в смешанной технике, с фрагментами аппликации из оранжевой фольги рядом с рентгеном лягушки. С другой стороны, многие работы - реминисценции на пластичность форм Сальвадора Дали, "голубой период" Пабло Пикассо или драматизм Эдварда Мунка, ведь все искусство, пусть даже ультрасовременное, это всегда долгое культурное эхо прошлых эпох.

Кульминацией и сенсацией биеннале стала церемония вручения Гран-при. Когда жюри объявило, что главный приз получает бельгийский автор Хирт Опсомер, в зале раздались нервные смешки. Такого исхода и вправду не мог предсказать никто, даже несмотря на наличие в жюри экстравагантного Лепорка, произносящего фразы типа: "Эрмитаж - отстой: ему нужен либо Рембрандт, либо гиперпижонское искусство".

Опсомер был представлен в бельгийском зале несколькими малоформатными работами: изображение существа с головой зайчика с логотипа Playboy и обнаженным телом женщины; фотокарточка, на которой запечатлен ослепительный свет фонаря на фоне кромешной тьмы; брелок с трудноразличимым изображением, который то и дело отваливался от выставочного стенда, укатываясь под ноги зрителям... Главная работа в экспозиции бельгийца - прикрепленная к стене пара резиновых пляжных тапок с выдавленной на подошве надписью "Ты мне по вкусу" на немецком языке. Это так называемый ready-made стиль - в качестве основы художественного произведения берется уже готовый предмет обихода, какой-то банальный объект, вырванный из его естественного контекста. Стиль открыли дадаисты еще в начале прошлого века, и тогда это воспринималось как разновидность художественного хулиганства. Марсель Дюшан, например, в качестве экспоната выставлял писсуар, украшенный росписью, или велосипедное колесо, прикрученное к табурету. В какой художественный контекст поместил свои шлепанцы Опсомер, для зрителей осталось загадкой - видимо, ни в какой: просто художественная шутка.

Биеннале пропагандирует принцип популярного искусства "для всех". Особенно наглядно это продемонстрировал австрийский художник Лукас Пуш, который на следующий день после открытия выставки организовал личный интерактивный проект под названием "Процессия". Он и еще несколько инициативных художников прошлись до Оперного театра и обратно, неся в руках картины. Хождение в народ сопровождалось выкрикиванием фраз "Хорошо идем, товарищи, шире шаг! Это левый марш!" и тому подобных. Кто-то "из народа" в ответ ругался матом, кто-то с восхищением оглядывался - новая "пощечина общественному вкусу" явно удалась.